Gotye – Making Mirrors (2011)

Como comentamos hace un tiempo en este blog, la línea que separa lo indie de lo mainstream cada vez es más estrecha. Quizá esto se deba a que lo indie, en cierto modo, está de moda y todos queremos ser alternativos y separarnos de lo común, cosa que lo único que hace es crear otra corriente paralela a la principal. Respecto a esto hoy traemos un nuevo ejemplo de, dicho de algún modo, “artista entrecorrientes”, este es el caso de Gotye, y su tercer álbum de estudio, Making Mirrors (2011) que vio la luz a mediados del año pasado.

A este artista, cuyo nombre real es Wouter “Wally” De Backer, se le ha llegado a comparar por su voz a artistas como por ejemplo Sting, y ciertamente, sus voces son muy similares aunque si bien es cierto que su música es, quizá, más atípica que la del músico británico. En cuanto a sus composiciones, según sus propias declaraciones, ha intentado plasmar en este disco la dulzura de los vinilos antiguos, y no cabe duda de ello, ya que este multiinstrumentista ha sido capaz de expresar toda esa melosidad en este Making Mirrors, haciéndolo un disco muy apetecible.

Dentro de los apenas 42 minutos de canciones que nos ofrece este trabajo podemos hacer un viaje por prácticamente todos los estilos predominantes en los años 70,80 y 90. Yendo cronológicamente en estas representaciones estilísticas, nos encontramos con la canción State of the art; en ella podríamos encontrar un reggae en la base que podría incluso recordarnos a uno de los estandartes de dicho estilo, Bob Marley, y en ella misma también podríamos vernos inmersos en una onda ochentera, en la que tan de moda se puso el uso de los talkboxs y sintetizadores, aunque quizá desentona un poco con la base caribeña.

Si seguimos avanzando, nos metemos de lleno en los ochenta con la pista llamada In your light, en la que encontramos unos ritmos que fácilmente nos recuerdan al conocidísimo Walking on sunshine de Katrina & The Waves.Si continuamos escuchando el disco, llegamos a los años noventa de la mano de Giving me a chance, una pista que nos inserta en la mente imágenes de esos videoclips en blanco y negro tan típicos de artistas de la talla de Seal o Lighthouse Family de finales de década. Por último, destacar uno de los singles que han salido a la luz de este trabajo, Somebody that I Used To Know. Es quizá la canción que escucharíamos (y escuchamos) hoy día, y es la canción con la que quizá se vuelve indefinible la línea que separa lo comercial de lo independiente, ya que se escucha tanto en las radios comerciales como en las no-comerciales, y eso es un punto a su favor dado que de este modo más gente, de los más distintos ámbitos musicales, pueden disfrutar de este disco.

Sin más dilación y para concluir, os dejo con Somebody that I Used To Know en la cual colabora la también australiana Kimbra y su genial y trabajado videoclip.

 

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Ólafur Arnalds – Living room songs (2011)

Es impresionante la capacidad que tienen ciertas personas para abordar estilos musicales muy opuestos entre sí en los que, sin embargo, se sumergen de una manera tan admirable que da la sensación de que han estado en ese ámbito durante toda su carrera. Es el caso del artista de esta semana, Ólafur Arnalds, y su último trabajo Living Room Songs (2011).

Este joven artista proveniente de Islandia ha hecho que mi interés por la música clásica se haya visto aumentado. No es que haga una música estrictamente clásica, sin embargo sí utiliza los mismos medios instrumentales. Lo que más sorprende de este compositor es su pasado, ya que al escuchar este disco nunca sospecharías que fue batería de al menos dos bandas de hardcore/metal, algo muy alejado de este estilo en el que se ha introducido y que tan a gusto se le ve.

No es un género musical en el que me suela mover, aun así, se debe admirar la buena música y en este Living Room Songs la encontramos en cada una de las siete pistas que componen el disco. Es difícil destacar alguna canción en concreto ya que parece mostrase más como una pieza conjunta, no obstante, lo que si es cierto es que deja con ganas de más. No sé si esa era la intención del compositor, la de dejar al oyente con ganas de saber como se seguirá desarrollando la historia de este disco, pero lo que no podemos hacer (o no deberíamos) es achacar este hecho como un fallo o una carencia del trabajo porque desborda sensibilidad por todas y cada una de las pistas.

De señalar una canción que sobresalga del resto sería la que termina el disco, This place is a shelter. Es una canción que parece resumir el disco, y en cierto modo es también una metáfora, haciéndonos ver que este living room en el que estamos es un buen refugio al que ir, y que estará siempre ahí para cuando lo necesitemos, y que cuando queramos dejarlo, la puerta que conduce a él estará siempre abierta.

Para finalizar y aprovechando el vídeo que siempre acompaña a la entrada, es muy destacable la colección de vídeos de las canciones que el autor ha hecho para su canal de YouTube, juntando en ese salón a todos los intérpretes que componen este maravilloso disco. Sin más dilación os dejo con el que hicieron para ese This place is a shelter.

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Foster the People – Torches (2011)

Rara vez encontramos casos en los que vemos grupos o artistas en el límite de la radiofórmula y lo comercial, sin embargo, en estos últimos años han estado apareciendo bastante casos entre los que podríamos enmarcar a la tan odiada/amada Lana del Rey o a la banda que nos interesa hoy.  Para ello volvemos a cruzar el charco para traer al frente a la que, casi sin dudar, ha sido banda revelación de 2011, Foster the People y su álbum de debut, Torches (2011).

Detrás de esta banda se esconde una historia curiosa, el líder del grupo, Mark Foster, tras graduarse en el instituto decidió poner rumbo hacia California para intentar ganarse la vida como músico de la forma que fuese posible. Allí Mark tuvo graves problemas con las drogas, llegando hasta tal punto que sus amigos pensaban que no sobreviviría. Después de dar un giro a su vida en este aspecto conoce al que luego sería batería del grupo, Mark Pontius, y junto a un amigo de toda la vida como bajista, Cubbie Fink, deciden formar Foster the People.

Esta historia es quizá llamativa para luego poder apreciar un poco mejor su música, en el modo en que la música de alguien que ha estado tan mal en cuanto a la drogadicción se refiere, no suele ser tan animada y alegre como lo es este Torches.

En el disco encontramos como se ha mencionado antes una gran cantidad de sonidos alegres y que invitan si no bailar, al menos poner una sonrisa, y eso bajo mi punto de vista es una virtud que pocos son capaces de hacer. Apreciamos un gran uso de los sintetizadores a la hora de crear sus melodías, muy simples pero a la vez efectivas. Para afirmar esto me remito al single, Pumped up Kicks, el cual les sirvió para darse a conocer, firmar por una discográfica y poder crear este trabajo. Son destacables también las canciones Don’t Stop (Color On The Walls) y Life on the Nickel, muy en la línea de grupos conocidos como MGMT, Empire of the Sun o Two Doors Cinema Club. Hacia el final del disco quizá pierde un poco la fuerza que va acumulando, ya que la última canción se separa un poco del eje del resto de canciones, aun así es un disco que merece la pena prestarle atención ya que sus 45 minutos de duración dan para mucho.

Para acabar os dejo con el vídeo de Don’t Stop (Color On The Walls), para no seguir machacando el single.

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The New Raemon, Francisco Nixon & Ricardo Vicente – El problema de los tres cuerpos (2011)

Si la semana pasada hablábamos de una colaboración entre dos artistas consagrados dentro del ámbito Hip-Hop, esta semana tenemos por estos fueros un caso similar aunque enmarcado dentro del indie español. En este caso la unión la llevan a cabo Ramón Rodríguez (The New Raemon), Fran Fernández (Francisco Nixon, La Costa Brava) y Ricardo Vicente (Francisco Nixon, La Costa Brava, Tachenko) con estos antecedentes encontramos El problema de los tres cuerpos (2011).

En este disco encontraremos un despliegue de todo a lo que nos tienen acostumbrados estos artistas, unas canciones muy agradables de escuchar con letras trabajadas que desprenden tranquilidad, a pesar de que las letras no suelen ser alegres. Lo encontramos dividido en nueve pistas, de las cuales cada uno ha aportado tres, como se ha dicho con anterioridad. A pesar de esto, las canciones dan la impresión de haber sido compuestas por todos, aunque cada una de ellas tiene el toque personal de cada intérprete.

En líneas generales este disco ofrece lo que se esperaba de él, una nueva vuelta de hoja a la música de los artistas que se reúnen en él, si bien es cierto que este disco, según ellos mismos dicen, será una flor de un día ya que a pesar de que están en plena gira no pretenden formar una agrupación, sino simplemente una gira conjunta, por decirlo de algún modo.

De las canciones que destacaría Todos tus caballos de carreras, interpretada por Ricardo, sería una de ellas, que como bien dicen muchas webs especializadas aporta un tinte setentero o de principio de los ochenta con ese saxo. También traigo al frente Repartiendo el sombrero, la primera de las que aporta Ramón, muy en la línea de sus primeros discos y EP’s. Y no nos olvidemos de Fran y su Bares de taxistas, siendo esta la más completa que a mi juicio aporta al disco, con los coros de Ramón.

En contrapunto a la reseña de la semana pasada, esta fusión de artistas sí ha salido bien, así pues, desde este rincón de la blogosfera recomiendo a todos los seguidores de cualquiera de los participantes del proyecto a que lo escuche.

Es difícil destacar una sola canción de todo el álbum así que os dejaré con El milagro de Milán, para que quede constancia de otra de las canciones dignas de atención bajo mi juicio. No obstante más abajo encontraréis el enlace al disco, que se puede escuchar entero en SoundCloud.

SoundCloudhttp://soundcloud.com/music-as-usual/sets/nixon-richi-raemon-el-problema/

Childish Gambino – Camp (2011)

No son pocos los actores/actrices que aprovechando su tirón mediático saltan al mundo de la música, sin embargo, no son muchos aquellos que logran hacer algo medianamente admirable o memorable. En el grupo de estos intérpretes que tienen un producto aceptable podríamos meter, por ejemplo, a Mélanie Laurent, Scarlett Johansson o a Donald Glover, en el cual nos centraremos hoy.

Bajo el nombre de Childish Gambino no aprovecha explícitamente este estatus de actor para abrirse paso en este mundo, si bien es cierto que su papel en la serie Community ha ayudado a que se le de más repercusión a su música. Este Camp es el primer disco grabado bajo una firma discográfica, sin embargo es el cuarto álbum de estudio de Donald. En él encontramos a un Childish Gambino más elaborado, en la forma en que no se basa únicamente en un buen sample y unas letras ingeniosas y elaboradas, sino que también encontramos unas melodías más trabajadas.

Si con la canción Freaks and Geeks ya obtuvo cierta notoriedad en internet, perteneciente a su trabajo anterior, con este disco ya se ha ganado un hueco en las revistas musicales, apareciendo en algunas de las más conocidas como Pitchfork (del que no sale bien parado, 1.6/10) por poner un ejemplo.

En cuanto al disco, sí es cierto que ha perdido un poco de su rap. Es decir, en sus anteriores trabajos podíamos ver a un rapero original abriéndose paso con los medios que disponía, ahora bien, en este trabajo quizá la búsqueda de mejores ritmos ha hecho que se haya vuelto un poco menos puro en su estilo, aunque es admirable la incorporación de coros en algunas de las pistas.

Aun así son destacables canciones como That Power, que tiene ciertos toques ochenteros, o los dos singles que hasta el momento ha habido, Bonfire y Heartbeat, dos hits que harán las delicias de sus seguidores más impacientes.

En líneas generales es un disco potente, que nos muestra a un rapero que sigue en su línea en cuanto a letras pero que quizá a patinado un poco en la elección de sus melodías. Sin más, les dejo el vídeo de Heartbeat, la mejor canción del disco bajo mi punto de vista:

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Dikta – Trust Me (2011)

Después de una semana con muchas visitas (para lo que es habitual en este blog) y una vez más in extremis volvemos hoy con un nuevo grupo, Dikta, provenientes de las gélidas tierras de Islandia.

Ellos son una agrupación formada en 1999 en la ciudad islandesa de Garðabær, al suroeste del país. A pesar de los años que llevan en activo y de que este Trust Me (2011)  es su cuarto álbum, es ahora cuando llegan a mis oídos. Cabe destacar en ellos la versatilidad de estilos que son capaces de desarrollar, los cuales podemos observar en este disco. Desde una potentísima What are you waiting for que abre el disco, hasta la muy relajante Home, canción que podrían haber compuesto, salvando las distancias, los mismísimos Sigur Rós.

Otro aspecto que resaltaría, que viene muy de la mano de su polivalencia, es la gran cantidad de recursos musicales en cuanto a instrumentos, sintetizadores, etc. que utilizan para poder desplegar todo su potencial musical. Este hecho les permite destacar algo distinto en cada una de las pitas de este disco lo cual destaco y aprecio a partes iguales.

Llama mucho la atención la sencillez, y a la vez hermosura, de la portada del disco, mostrándonos a un ave rapaz expectante de algo que queda a la imaginación del espectador.

Hay ciertas canciones en las que podrían acercarse a un pop británico, sobre todo en ciertos momentos de la canción In Spite of me y también en la que la sigue, In Love with Myself. Como ya se comentó antes es destacable la potencia con la que comienza el disco y el vaivén de energías en la que nos sumerge ya que nos relaja en unas pistas y nos activa en otras, para luego acabar en casa.

En general el álbum no aporta nada muy novedoso en cuanto a las melodías o su estilo, sin embargo tienen un halo rodeando su música que engancha. Podría ser el hecho de su procedencia de un país tan tranquilo y a la vez tan activo como es Islandia, un aspecto que podría verse plasmado en su música, tan relajante a veces y tan activa otras.

Así pues, sin más dilación, en esta escueta reseña os dejo como siempre con una canción destacada de este Trust me, en este caso la elegida es Home, la canción que cierra el álbum.

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Lana del Rey – Born to Die (2011)

Hablamos de “hype” cuando a criterio general un concepto, ya sea un artista, un libro o una película, se le da mucha más repercusión en los medios de la que realmente merece. Lana del Rey es el ejemplo perfecto. Elizabeth Grant, que es su nombre de pila, es una cantante neoyorquina, hija del magnate de internet Robert Grant, que se inicia en el mundo de la música con su primer disco, Born to Die (2011).

Se la mal cataloga dentro del indie, aunque su música es puro marketing, sin ir más lejos todo en ella, desde su aspecto y su nombre artístico ha sido asesorado por diferentes agentes y productores durante cinco años (según Wikipedia) para adaptarse al estilo de música que quería hacer. Para ver esto no hay más que leer el tracklist, dentro del que se pueden ver títulos como Lolita o Without You, títulos que hemos visto infinidad de veces en multitud de artistas.

Su música podría ser una combinación de una Madonna de finales del siglo XX, con su canción Frozen sobre todo, ciertos matices de la Gwen Stefani que formaba parte de No Doubt y algunos abusos de florituras en la voz dignas de la mismísima Shakira.

Esta chica no aporta nada nuevo a la música y su voz no es tan buena como la pintan. Sin embargo, destaco dos canciones de todo el disco, la que abre el disco, titulada como éste, y Dark Paradise. Ambas me han gustado, sin embargo su voz no terminar de encajar del todo con las melodías, aunque estén muy bien elaboradas.

En la primera, muchas veces parece que se hunde en su propia garganta de tan grave que canta, y en la segunda sin embargo ocurre lo contrario, canta ciertas partes de una forma muy aguda cuando en el resto de la canción lo hace en un tono medio que sería el perfecto para su música. Pero no es el caso. Abusa mucho de subir y bajar su voz, a veces, como dije antes, hundiéndose en ella y otras llevándola hasta agudos que no tienen motivo de ser, pero cuando se mantiene en un término medio es muy agradable de escuchar.

Estamos frente a una artista que dará mucho que hablar en los próximos años, y aunque sería arriesgado decirlo, podríamos estar ante una nueva Lady Gaga. Para ello os invito a leer la letra de la antes mencionada Lolita, que es sobre todo en lo que me baso para decir esto.

Lo dicho, la “Nancy Sinatra gángster”, como se autodenomina, no es más que una estrategia de marketing muy bien llevada enmascarada en una artista pelirroja estereotipada. Así pues os dejo con Born to die, la canción que abre el disco para vuestro juicio:

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