Bobby Womack – The Bravest Man in the Universe (2012)

Cuando dos artistas se encuentran en una determinada colaboración, suele darse el caso de que si hay admiración de una de las dos partes implicadas hacia la otra, se crea un vínculo especial. Esto es lo que posiblemente haya ocurrido entre Damon Albarn y el artista que nos concierne hoy, uno de los grandes de la música soul y funk de las décadas de los ‘60 y ‘70, hablamos del fantástico Bobby Womack. El líder de Blur y Gorillaz ha producido este último disco de Bobby Womack, que después de haber estado más de 10 años sin sacar material nuevo y tras superar un cáncer vuelve como The Bravest Man in the Universe (2012), toda una declaración de intenciones por su parte.

El creador de la famosa canción Across the 110th Street vuelve con unas fuerzas rejuvenecidas en este nuevo álbum, donde encontraremos, aparte de un Bobby Womack que fusiona ritmos modernos con su estilo más setentero, unas colaboraciones muy interesantes, como son las que realiza junto a la artista del momento, Lana del Rey, y junto a una de las voces estandarte africanas que más fuerte están pegando en Europa y América, Fatoumata Diawara.

En las 12 pistas que componen el disco no hay una canción que pase desapercibida, ya que cada una aporta algo de Womack, ya sea su voz desgarrada acompañada de una simple guitarra en Deep River en la que podría estar perfectamente hablando de los problemas que padeció con las drogas. Otras pistas dignas de mención serían la ya comentada colaboración con Lana del Rey, Dayglo Reflection, donde, a pesar de no ser una artista que destaque por su capacidad vocal, le da un toque sutil que te transporta a una época de principios del siglo XX, ayudado por el magnífico piano que en todo momento acompaña. Pero sin lugar a dudas, la canción más destacable de todo el álbum es Stupid que viene precedida de un interludio homónimo con la voz del difunto cantante Gil Scott-Heron; en lo que podría ser una crítica más que directa a cualquier persona que se aprovecha de otra, en este caso, representado en una figura eclesiástica.

Posiblemente no estemos ante el mejor disco de la prolífica carrera de Bobby Womack, no obstante, sí es cierto que no es un álbum que pasará desapercibido en toda la discografía del artista, ya que parece significar una forma de decir “He vuelto. He vuelto para quedarme y me queda cuerda para rato”. Y que así sea.

Sin más dilación os dejo con la antes mencionada Stupid, que con sus poco más de 4 minutos (interludio incluído) transmite mucho.

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Jack White – Blunderbuss (2012)

Cuando un grupo se disuelve muchas veces nos llevamos las manos a la cabeza al pensar qué será de sus componentes, si seguirán haciendo música, y lo que es más importante, si seguirán haciendo algo suficientemente bueno como para no decepcionar a los fans de dichos grupos. Dicho esto, nos encontramos varias bandas que por diversas causas han decidido poner fin a su carrera y aun así, nos han dejado elementos más que destacables. Un ejemplo de ello, los archiconocidos Nirvana, que tras la muerte de Kurt Cobain nos regaló un muy buen derivado de la mano de Dave Grohl y su gran banda Foo Fighters. El caso que nos concierne hoy es en el también conocidísimo Jack White, que tras la separación de The White Stripes y tras haber estado en diversas bandas como The Raconteurs por fin se decide a deleitarnos con un álbum en solitario, Blunderbuss (2012).

En este álbum vemos lo que todos los fans querían ver, un Jack White en todo su esplendor, regalándonos melodías muy potentes y letras cargadas de significado. Si uno se pone a comparar los sonidos que salen de las 13 pistas que forman este disco, encontramos matices de grandes grupos como Led Zeppelin, Deep Purple, Queen, The Doors. Ya sea bien por la música, por la voz de Jack o por instrumentos en concreto, se demuestra que el señor White sabe lo que es la buena música y sabe perfectamente qué hacer con todo lo que ha absorbido. Ha sabido hacer un gran disco con sonidos que podemos encontrar en cualquier disco de rock de los setenta, sin embargo les ha dado un toque muy personal y diferenciado, ya sea a través del piano o del magnífico uso de la guitarra –yendo desde blues hasta el más puro Rock&Roll–.

Cómo se comenta anteriormente, ha dado lo que los fans querían, siendo en líneas generales este primer trabajo un gran disco. Si hay que destacar alguna canción, esa sin duda sería el primer single, Sixteen Saltines. En ella vemos reminiscencias de lo que fue The White Stripes, hecho quizá para enfatizar la crítica un tanto irónica a la que fue su compañera en dicha banda, Megan White. No hay que ser muy inteligente para ver las puntas que Jack manda a Megan, las líneas “Black hat, white shoes, and I’m red all over” seguidas de otras como “Who’s jelous of who?” demarcan ciertas indiferencias entre ellos, quizá motivo de la separación de ambos. Otra pista a tener en cuenta es I Guess I Should Back to Bed, aquí el piano toma protagonismo creando un puente entre lo que podría ser una canción del Nueva Orleans cajún y una canción cantada por el mismísimo Freddie Mercury.

Como se ha dicho, estamos ante un gran disco y esperemos que sea el primero de muchos porque es bien conocido por todos que a White le sobran aptitudes como para seguir haciendo cosas como esta. Sin más aquí os dejo el primer single: Sixteen Saltines.

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Foster the People – Torches (2011)

Rara vez encontramos casos en los que vemos grupos o artistas en el límite de la radiofórmula y lo comercial, sin embargo, en estos últimos años han estado apareciendo bastante casos entre los que podríamos enmarcar a la tan odiada/amada Lana del Rey o a la banda que nos interesa hoy.  Para ello volvemos a cruzar el charco para traer al frente a la que, casi sin dudar, ha sido banda revelación de 2011, Foster the People y su álbum de debut, Torches (2011).

Detrás de esta banda se esconde una historia curiosa, el líder del grupo, Mark Foster, tras graduarse en el instituto decidió poner rumbo hacia California para intentar ganarse la vida como músico de la forma que fuese posible. Allí Mark tuvo graves problemas con las drogas, llegando hasta tal punto que sus amigos pensaban que no sobreviviría. Después de dar un giro a su vida en este aspecto conoce al que luego sería batería del grupo, Mark Pontius, y junto a un amigo de toda la vida como bajista, Cubbie Fink, deciden formar Foster the People.

Esta historia es quizá llamativa para luego poder apreciar un poco mejor su música, en el modo en que la música de alguien que ha estado tan mal en cuanto a la drogadicción se refiere, no suele ser tan animada y alegre como lo es este Torches.

En el disco encontramos como se ha mencionado antes una gran cantidad de sonidos alegres y que invitan si no bailar, al menos poner una sonrisa, y eso bajo mi punto de vista es una virtud que pocos son capaces de hacer. Apreciamos un gran uso de los sintetizadores a la hora de crear sus melodías, muy simples pero a la vez efectivas. Para afirmar esto me remito al single, Pumped up Kicks, el cual les sirvió para darse a conocer, firmar por una discográfica y poder crear este trabajo. Son destacables también las canciones Don’t Stop (Color On The Walls) y Life on the Nickel, muy en la línea de grupos conocidos como MGMT, Empire of the Sun o Two Doors Cinema Club. Hacia el final del disco quizá pierde un poco la fuerza que va acumulando, ya que la última canción se separa un poco del eje del resto de canciones, aun así es un disco que merece la pena prestarle atención ya que sus 45 minutos de duración dan para mucho.

Para acabar os dejo con el vídeo de Don’t Stop (Color On The Walls), para no seguir machacando el single.

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WZRD – WZRD (2012)

Cuando visitamos páginas musicales, y sobre todo aquellas en las que se pueden descargar discos, siempre hay algo que nos llama la atención si uno no está buscando algo en concreto, ya sea una portada, un nombre, algo. Pues bien, el disco de esta semana es eso que me llamó la atención esta semana. WZRD (2012) se escondía bajo la etiqueta de “Indie rock” e investigando un poco, llegué al dato de que era un proyecto del rapero Kid Cudi y el productor Dot da Genius. Con estas premisas de Kid Cudi y Rock indie la escucha se antojaba casi obligada.

El disco en una primera escucha resulta un poco monótono y muy experimental, en la manera en que se nota que es un disco hecho por y para disfrute de los creadores. No vemos a un Kid Cudi muy diferente en cuanto a su estilo, sin embargo se ha de destacar, obviamente, las melodías que acompañan a sus letras. Esta atmósfera rock envolvente es la de un rock setentero, muy psicodélico y podría ser, una vez más, una representación de la marihuana, tan presente siempre en los trabajos del señor Mescudi.

De las canciones destacaría dos y descartaría una. Descartaría The Arrival, una intro con aires alienígenas que puede hacer que más de uno empiece el disco con un mal prejuicio del mismo que puede estar presente durante todo el disco. Love Hard es la primera de las canciones destacadas, y es la pista que quizá rompe un poco esa monotonía que acusa el disco, también es verdad que sería la que más se parece a lo que Kid Cudi normalmente hace; la otra canción sería Teleport 2 me, Jamie, este supondría el otro salto en la linealidad del disco, y digo salto porque emplea un sample de la tan admirada banda sonora de la película Drive, concretamente Under your spell, que hará desprenderte de esta atmósfera somnolienta si reconoces el sample. Ni siquiera la colaboración que hay con Empire of the Sun llama la atención en un disco, como se ha dicho, muy lineal.

De este experimento poco más habría que destacar, por tanto os dejo con una de las canciones del disco para que forméis vuestra propia opinión. Tampoco dejo enlaces al artista porque no los hay referentes al grupo. La canción es la antes mencionada Teleport 2 me , Jamie:

Childish Gambino – Camp (2011)

No son pocos los actores/actrices que aprovechando su tirón mediático saltan al mundo de la música, sin embargo, no son muchos aquellos que logran hacer algo medianamente admirable o memorable. En el grupo de estos intérpretes que tienen un producto aceptable podríamos meter, por ejemplo, a Mélanie Laurent, Scarlett Johansson o a Donald Glover, en el cual nos centraremos hoy.

Bajo el nombre de Childish Gambino no aprovecha explícitamente este estatus de actor para abrirse paso en este mundo, si bien es cierto que su papel en la serie Community ha ayudado a que se le de más repercusión a su música. Este Camp es el primer disco grabado bajo una firma discográfica, sin embargo es el cuarto álbum de estudio de Donald. En él encontramos a un Childish Gambino más elaborado, en la forma en que no se basa únicamente en un buen sample y unas letras ingeniosas y elaboradas, sino que también encontramos unas melodías más trabajadas.

Si con la canción Freaks and Geeks ya obtuvo cierta notoriedad en internet, perteneciente a su trabajo anterior, con este disco ya se ha ganado un hueco en las revistas musicales, apareciendo en algunas de las más conocidas como Pitchfork (del que no sale bien parado, 1.6/10) por poner un ejemplo.

En cuanto al disco, sí es cierto que ha perdido un poco de su rap. Es decir, en sus anteriores trabajos podíamos ver a un rapero original abriéndose paso con los medios que disponía, ahora bien, en este trabajo quizá la búsqueda de mejores ritmos ha hecho que se haya vuelto un poco menos puro en su estilo, aunque es admirable la incorporación de coros en algunas de las pistas.

Aun así son destacables canciones como That Power, que tiene ciertos toques ochenteros, o los dos singles que hasta el momento ha habido, Bonfire y Heartbeat, dos hits que harán las delicias de sus seguidores más impacientes.

En líneas generales es un disco potente, que nos muestra a un rapero que sigue en su línea en cuanto a letras pero que quizá a patinado un poco en la elección de sus melodías. Sin más, les dejo el vídeo de Heartbeat, la mejor canción del disco bajo mi punto de vista:

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Cloud Nothings – Attack on Memory (2012)

Como habrán podido observar  en cualquier otra de las entradas de este blog, algo que se aprecia por estos lares es la variedad de estilos dentro de un mismo grupo/artista dentro de un mismo álbum. Pues Attack on Memory (2011) es el último ejemplo de eso.

Con el nuevo disco de Cloud Nothings me ha pasado lo que normalmente me pasa, descargo mucha música sin filtro y la voy escuchando poco a poco. De esta banda lo único que sabía era que hacen rock indie, y este es uno de los géneros que más me suelen gustar, siendo también en el que más paja podemos encontrar con lo que hay que escuchar mucho para de vez en cuando encontrar algo más o menos decente.

Es el primer disco que escucho de esta banda, aunque es el tercer álbum de estudio que tienen en el mercado. Este disco nos traslada a una California punk, a playas llenas de jóvenes rebeldes cuyo único consuelo son la música, el surf y el skate. Y esto contrasta mucho con la procedencia del grupo, casi en la otra punta del país, Ohio.

Este trabajo desprende rebeldía y energía por todos sus costados, sin embargo, podríamos encontrar muchas influencias como por ejemplo la canción que abre el disco, No Future No Past, muy del estilo Radiohead o canciones más experimentales como la que sigue a esta, Wasted Days, una canción de casi nueve minutos al más puro estilo punk de la vieja escuela.

La voz rasgada del vocalista es otro factor que también ayuda a crear esta atmósfera punk tan arraigada en la costa suroeste americana de mediados de los ochenta y principios de los noventa.

Este no será un disco que pasará a la historia pero sí dejará huella, ya que consigue condensar en poco más de treinta minutos, ocho canciones, unas sensaciones que hacía tiempo no se veían ni escuchaban en el panorama musical.

Para ir finalizando aquí os dejo con la canción que abre el disco, quizá una de las más diferenciadas del resto del álbum, No Future, No Past:

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Lana del Rey – Born to Die (2011)

Hablamos de “hype” cuando a criterio general un concepto, ya sea un artista, un libro o una película, se le da mucha más repercusión en los medios de la que realmente merece. Lana del Rey es el ejemplo perfecto. Elizabeth Grant, que es su nombre de pila, es una cantante neoyorquina, hija del magnate de internet Robert Grant, que se inicia en el mundo de la música con su primer disco, Born to Die (2011).

Se la mal cataloga dentro del indie, aunque su música es puro marketing, sin ir más lejos todo en ella, desde su aspecto y su nombre artístico ha sido asesorado por diferentes agentes y productores durante cinco años (según Wikipedia) para adaptarse al estilo de música que quería hacer. Para ver esto no hay más que leer el tracklist, dentro del que se pueden ver títulos como Lolita o Without You, títulos que hemos visto infinidad de veces en multitud de artistas.

Su música podría ser una combinación de una Madonna de finales del siglo XX, con su canción Frozen sobre todo, ciertos matices de la Gwen Stefani que formaba parte de No Doubt y algunos abusos de florituras en la voz dignas de la mismísima Shakira.

Esta chica no aporta nada nuevo a la música y su voz no es tan buena como la pintan. Sin embargo, destaco dos canciones de todo el disco, la que abre el disco, titulada como éste, y Dark Paradise. Ambas me han gustado, sin embargo su voz no terminar de encajar del todo con las melodías, aunque estén muy bien elaboradas.

En la primera, muchas veces parece que se hunde en su propia garganta de tan grave que canta, y en la segunda sin embargo ocurre lo contrario, canta ciertas partes de una forma muy aguda cuando en el resto de la canción lo hace en un tono medio que sería el perfecto para su música. Pero no es el caso. Abusa mucho de subir y bajar su voz, a veces, como dije antes, hundiéndose en ella y otras llevándola hasta agudos que no tienen motivo de ser, pero cuando se mantiene en un término medio es muy agradable de escuchar.

Estamos frente a una artista que dará mucho que hablar en los próximos años, y aunque sería arriesgado decirlo, podríamos estar ante una nueva Lady Gaga. Para ello os invito a leer la letra de la antes mencionada Lolita, que es sobre todo en lo que me baso para decir esto.

Lo dicho, la “Nancy Sinatra gángster”, como se autodenomina, no es más que una estrategia de marketing muy bien llevada enmascarada en una artista pelirroja estereotipada. Así pues os dejo con Born to die, la canción que abre el disco para vuestro juicio:

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