Ólafur Arnalds – Living room songs (2011)

Es impresionante la capacidad que tienen ciertas personas para abordar estilos musicales muy opuestos entre sí en los que, sin embargo, se sumergen de una manera tan admirable que da la sensación de que han estado en ese ámbito durante toda su carrera. Es el caso del artista de esta semana, Ólafur Arnalds, y su último trabajo Living Room Songs (2011).

Este joven artista proveniente de Islandia ha hecho que mi interés por la música clásica se haya visto aumentado. No es que haga una música estrictamente clásica, sin embargo sí utiliza los mismos medios instrumentales. Lo que más sorprende de este compositor es su pasado, ya que al escuchar este disco nunca sospecharías que fue batería de al menos dos bandas de hardcore/metal, algo muy alejado de este estilo en el que se ha introducido y que tan a gusto se le ve.

No es un género musical en el que me suela mover, aun así, se debe admirar la buena música y en este Living Room Songs la encontramos en cada una de las siete pistas que componen el disco. Es difícil destacar alguna canción en concreto ya que parece mostrase más como una pieza conjunta, no obstante, lo que si es cierto es que deja con ganas de más. No sé si esa era la intención del compositor, la de dejar al oyente con ganas de saber como se seguirá desarrollando la historia de este disco, pero lo que no podemos hacer (o no deberíamos) es achacar este hecho como un fallo o una carencia del trabajo porque desborda sensibilidad por todas y cada una de las pistas.

De señalar una canción que sobresalga del resto sería la que termina el disco, This place is a shelter. Es una canción que parece resumir el disco, y en cierto modo es también una metáfora, haciéndonos ver que este living room en el que estamos es un buen refugio al que ir, y que estará siempre ahí para cuando lo necesitemos, y que cuando queramos dejarlo, la puerta que conduce a él estará siempre abierta.

Para finalizar y aprovechando el vídeo que siempre acompaña a la entrada, es muy destacable la colección de vídeos de las canciones que el autor ha hecho para su canal de YouTube, juntando en ese salón a todos los intérpretes que componen este maravilloso disco. Sin más dilación os dejo con el que hicieron para ese This place is a shelter.

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Niños Mutantes – Náufragos (2012)

Existen muchas bandas que están décadas sobre los escenarios y a pesar de esto pasan muy desapercibidas para el gran público. No significa esto que estas bandas carezcan de calidad o de la capacidad para llegar a las masas, simplemente no sucede, por inciativa del propio grupo o por falta de interés de los grandes de la industria. Este hecho a menudo se agradece, porque muchas veces el intentar llegar a todos los públicos hace que pierda calidad su música y multitud de fans; el ejemplo más claro dentro de nuestro país serían los madrileños Dover. En este caso, el ejemplo de buen grupo a la sombra son estos Niños mutantes; pasemos a desgranar su útlimo disco, Náufragos (2012).

Este Náufragos es el séptimo álbum de estudio para este grupo granadino que llevan en esto de la música desde 1994 (Aunque desde 1991 algunos de sus componentes ya formaban un grupo llamado Mama Baker). En él encontramos distintos matices dentro de todo lo que podríamos encajar en el Pop/Rock Indie, desde ritmos que podrían recordarnos a cantautores de este género hasta bandas más inmersas en el rock.

Como ejemplo de estos matices, tenemos por un lado, la canción que abre el disco, La puerta, que haciendo honor a su nombre nos abre la puerta a un disco de la misma forma que nos podría estar abriendo la puerta a una casa en la que en cada habitación encontraremos distintas composiciones, dependiendo de lo que estamos buscando en cada momento. Si seguimos con esta analogía, la sala de estar estaría representada por la canción que fue adelanto del álbum, Náufragos, si esta sala es donde más dinamismo suele haber ésta sería la pista que la representaría. Sin embargo, como suele ocurrir, los desvanes o cuartos trasteros apenas se enseñan debido al alboroto que en ellos suele haber, en este caso, la canción con la que acaba este disco no debía haber sido mostrada; Muerte de un ampli, empieza mal desde el título, el álbum tiene una armonía que se pierde al llegar a esta pista.

Será que aprecio las primeras y últimas canciones de un disco ya que la primera puede marcar el devenir del resto del trabajo, y la última puede ser la pipa amarga que te arruine todo el paquete o el caramelo líquido al final del flan, y en este caso el inicio ha salido muy bien, tanto que te invita a pasar a una estancia animada, sin embargo el final deja mucho que desear. Aún así es un disco muy completo y para ser el primero que escucho de este grupo me ha agradado bastante.

Os dejo con la que podría ser la mejor canción del disco, Náufragos.

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Foster the People – Torches (2011)

Rara vez encontramos casos en los que vemos grupos o artistas en el límite de la radiofórmula y lo comercial, sin embargo, en estos últimos años han estado apareciendo bastante casos entre los que podríamos enmarcar a la tan odiada/amada Lana del Rey o a la banda que nos interesa hoy.  Para ello volvemos a cruzar el charco para traer al frente a la que, casi sin dudar, ha sido banda revelación de 2011, Foster the People y su álbum de debut, Torches (2011).

Detrás de esta banda se esconde una historia curiosa, el líder del grupo, Mark Foster, tras graduarse en el instituto decidió poner rumbo hacia California para intentar ganarse la vida como músico de la forma que fuese posible. Allí Mark tuvo graves problemas con las drogas, llegando hasta tal punto que sus amigos pensaban que no sobreviviría. Después de dar un giro a su vida en este aspecto conoce al que luego sería batería del grupo, Mark Pontius, y junto a un amigo de toda la vida como bajista, Cubbie Fink, deciden formar Foster the People.

Esta historia es quizá llamativa para luego poder apreciar un poco mejor su música, en el modo en que la música de alguien que ha estado tan mal en cuanto a la drogadicción se refiere, no suele ser tan animada y alegre como lo es este Torches.

En el disco encontramos como se ha mencionado antes una gran cantidad de sonidos alegres y que invitan si no bailar, al menos poner una sonrisa, y eso bajo mi punto de vista es una virtud que pocos son capaces de hacer. Apreciamos un gran uso de los sintetizadores a la hora de crear sus melodías, muy simples pero a la vez efectivas. Para afirmar esto me remito al single, Pumped up Kicks, el cual les sirvió para darse a conocer, firmar por una discográfica y poder crear este trabajo. Son destacables también las canciones Don’t Stop (Color On The Walls) y Life on the Nickel, muy en la línea de grupos conocidos como MGMT, Empire of the Sun o Two Doors Cinema Club. Hacia el final del disco quizá pierde un poco la fuerza que va acumulando, ya que la última canción se separa un poco del eje del resto de canciones, aun así es un disco que merece la pena prestarle atención ya que sus 45 minutos de duración dan para mucho.

Para acabar os dejo con el vídeo de Don’t Stop (Color On The Walls), para no seguir machacando el single.

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The New Raemon, Francisco Nixon & Ricardo Vicente – El problema de los tres cuerpos (2011)

Si la semana pasada hablábamos de una colaboración entre dos artistas consagrados dentro del ámbito Hip-Hop, esta semana tenemos por estos fueros un caso similar aunque enmarcado dentro del indie español. En este caso la unión la llevan a cabo Ramón Rodríguez (The New Raemon), Fran Fernández (Francisco Nixon, La Costa Brava) y Ricardo Vicente (Francisco Nixon, La Costa Brava, Tachenko) con estos antecedentes encontramos El problema de los tres cuerpos (2011).

En este disco encontraremos un despliegue de todo a lo que nos tienen acostumbrados estos artistas, unas canciones muy agradables de escuchar con letras trabajadas que desprenden tranquilidad, a pesar de que las letras no suelen ser alegres. Lo encontramos dividido en nueve pistas, de las cuales cada uno ha aportado tres, como se ha dicho con anterioridad. A pesar de esto, las canciones dan la impresión de haber sido compuestas por todos, aunque cada una de ellas tiene el toque personal de cada intérprete.

En líneas generales este disco ofrece lo que se esperaba de él, una nueva vuelta de hoja a la música de los artistas que se reúnen en él, si bien es cierto que este disco, según ellos mismos dicen, será una flor de un día ya que a pesar de que están en plena gira no pretenden formar una agrupación, sino simplemente una gira conjunta, por decirlo de algún modo.

De las canciones que destacaría Todos tus caballos de carreras, interpretada por Ricardo, sería una de ellas, que como bien dicen muchas webs especializadas aporta un tinte setentero o de principio de los ochenta con ese saxo. También traigo al frente Repartiendo el sombrero, la primera de las que aporta Ramón, muy en la línea de sus primeros discos y EP’s. Y no nos olvidemos de Fran y su Bares de taxistas, siendo esta la más completa que a mi juicio aporta al disco, con los coros de Ramón.

En contrapunto a la reseña de la semana pasada, esta fusión de artistas sí ha salido bien, así pues, desde este rincón de la blogosfera recomiendo a todos los seguidores de cualquiera de los participantes del proyecto a que lo escuche.

Es difícil destacar una sola canción de todo el álbum así que os dejaré con El milagro de Milán, para que quede constancia de otra de las canciones dignas de atención bajo mi juicio. No obstante más abajo encontraréis el enlace al disco, que se puede escuchar entero en SoundCloud.

SoundCloudhttp://soundcloud.com/music-as-usual/sets/nixon-richi-raemon-el-problema/

WZRD – WZRD (2012)

Cuando visitamos páginas musicales, y sobre todo aquellas en las que se pueden descargar discos, siempre hay algo que nos llama la atención si uno no está buscando algo en concreto, ya sea una portada, un nombre, algo. Pues bien, el disco de esta semana es eso que me llamó la atención esta semana. WZRD (2012) se escondía bajo la etiqueta de “Indie rock” e investigando un poco, llegué al dato de que era un proyecto del rapero Kid Cudi y el productor Dot da Genius. Con estas premisas de Kid Cudi y Rock indie la escucha se antojaba casi obligada.

El disco en una primera escucha resulta un poco monótono y muy experimental, en la manera en que se nota que es un disco hecho por y para disfrute de los creadores. No vemos a un Kid Cudi muy diferente en cuanto a su estilo, sin embargo se ha de destacar, obviamente, las melodías que acompañan a sus letras. Esta atmósfera rock envolvente es la de un rock setentero, muy psicodélico y podría ser, una vez más, una representación de la marihuana, tan presente siempre en los trabajos del señor Mescudi.

De las canciones destacaría dos y descartaría una. Descartaría The Arrival, una intro con aires alienígenas que puede hacer que más de uno empiece el disco con un mal prejuicio del mismo que puede estar presente durante todo el disco. Love Hard es la primera de las canciones destacadas, y es la pista que quizá rompe un poco esa monotonía que acusa el disco, también es verdad que sería la que más se parece a lo que Kid Cudi normalmente hace; la otra canción sería Teleport 2 me, Jamie, este supondría el otro salto en la linealidad del disco, y digo salto porque emplea un sample de la tan admirada banda sonora de la película Drive, concretamente Under your spell, que hará desprenderte de esta atmósfera somnolienta si reconoces el sample. Ni siquiera la colaboración que hay con Empire of the Sun llama la atención en un disco, como se ha dicho, muy lineal.

De este experimento poco más habría que destacar, por tanto os dejo con una de las canciones del disco para que forméis vuestra propia opinión. Tampoco dejo enlaces al artista porque no los hay referentes al grupo. La canción es la antes mencionada Teleport 2 me , Jamie:

Childish Gambino – Camp (2011)

No son pocos los actores/actrices que aprovechando su tirón mediático saltan al mundo de la música, sin embargo, no son muchos aquellos que logran hacer algo medianamente admirable o memorable. En el grupo de estos intérpretes que tienen un producto aceptable podríamos meter, por ejemplo, a Mélanie Laurent, Scarlett Johansson o a Donald Glover, en el cual nos centraremos hoy.

Bajo el nombre de Childish Gambino no aprovecha explícitamente este estatus de actor para abrirse paso en este mundo, si bien es cierto que su papel en la serie Community ha ayudado a que se le de más repercusión a su música. Este Camp es el primer disco grabado bajo una firma discográfica, sin embargo es el cuarto álbum de estudio de Donald. En él encontramos a un Childish Gambino más elaborado, en la forma en que no se basa únicamente en un buen sample y unas letras ingeniosas y elaboradas, sino que también encontramos unas melodías más trabajadas.

Si con la canción Freaks and Geeks ya obtuvo cierta notoriedad en internet, perteneciente a su trabajo anterior, con este disco ya se ha ganado un hueco en las revistas musicales, apareciendo en algunas de las más conocidas como Pitchfork (del que no sale bien parado, 1.6/10) por poner un ejemplo.

En cuanto al disco, sí es cierto que ha perdido un poco de su rap. Es decir, en sus anteriores trabajos podíamos ver a un rapero original abriéndose paso con los medios que disponía, ahora bien, en este trabajo quizá la búsqueda de mejores ritmos ha hecho que se haya vuelto un poco menos puro en su estilo, aunque es admirable la incorporación de coros en algunas de las pistas.

Aun así son destacables canciones como That Power, que tiene ciertos toques ochenteros, o los dos singles que hasta el momento ha habido, Bonfire y Heartbeat, dos hits que harán las delicias de sus seguidores más impacientes.

En líneas generales es un disco potente, que nos muestra a un rapero que sigue en su línea en cuanto a letras pero que quizá a patinado un poco en la elección de sus melodías. Sin más, les dejo el vídeo de Heartbeat, la mejor canción del disco bajo mi punto de vista:

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Cloud Nothings – Attack on Memory (2012)

Como habrán podido observar  en cualquier otra de las entradas de este blog, algo que se aprecia por estos lares es la variedad de estilos dentro de un mismo grupo/artista dentro de un mismo álbum. Pues Attack on Memory (2011) es el último ejemplo de eso.

Con el nuevo disco de Cloud Nothings me ha pasado lo que normalmente me pasa, descargo mucha música sin filtro y la voy escuchando poco a poco. De esta banda lo único que sabía era que hacen rock indie, y este es uno de los géneros que más me suelen gustar, siendo también en el que más paja podemos encontrar con lo que hay que escuchar mucho para de vez en cuando encontrar algo más o menos decente.

Es el primer disco que escucho de esta banda, aunque es el tercer álbum de estudio que tienen en el mercado. Este disco nos traslada a una California punk, a playas llenas de jóvenes rebeldes cuyo único consuelo son la música, el surf y el skate. Y esto contrasta mucho con la procedencia del grupo, casi en la otra punta del país, Ohio.

Este trabajo desprende rebeldía y energía por todos sus costados, sin embargo, podríamos encontrar muchas influencias como por ejemplo la canción que abre el disco, No Future No Past, muy del estilo Radiohead o canciones más experimentales como la que sigue a esta, Wasted Days, una canción de casi nueve minutos al más puro estilo punk de la vieja escuela.

La voz rasgada del vocalista es otro factor que también ayuda a crear esta atmósfera punk tan arraigada en la costa suroeste americana de mediados de los ochenta y principios de los noventa.

Este no será un disco que pasará a la historia pero sí dejará huella, ya que consigue condensar en poco más de treinta minutos, ocho canciones, unas sensaciones que hacía tiempo no se veían ni escuchaban en el panorama musical.

Para ir finalizando aquí os dejo con la canción que abre el disco, quizá una de las más diferenciadas del resto del álbum, No Future, No Past:

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